芭蕾舞劇是綜合音樂、美術、舞蹈于同一舞臺空間的戲劇藝術形式。三位姐妹藝術的密切合作造成時空一致、視聽統一的藝術效果，這正是芭蕾舞劇具有獨特魅力之所在。

　　音樂在芭蕾中占有不容忽視的地位。根據舞劇腳本譜寫的音樂是舞劇編導賴以進行編創舞蹈和戲劇動作的基礎。因此，舞劇音樂既要體現完整的藝術構思、描繪戲劇性的情節進展，又要刻畫鮮明的音樂性格、提示人物的內心世界與感情變化。而且，舞劇音樂往往都有節奏明確、抒情色彩濃厚的適于舞蹈的旋律，并體現出作品的時代、地域的風貌。音樂素有“舞蹈的靈魂”之稱，難怪我們聆聽舞劇音樂時，腦海里就會有形象浮現。

　　包括舞臺布景、服裝、化妝在內的舞臺美術，通過逼真的實感、巧妙的色光變幻以及特技效果創造出舞劇規定情境所需要的藝術氛圍，增強著舞劇的感染力。舞臺美術的重要性可以從下述情形得到證實：即使是滿臺白光或漆黑一片，人們也能從中體味某種特定的含意。

　　舞劇，顧名思義舞蹈是它最主要的表現手段，舞劇的一個突出特點是演員在臺上不說也不唱，完全依靠形體的表現力來完成所有的戲劇要求——主題思想的闡述、矛盾沖突的展現、人物性格的塑造。訓練有素的舞蹈演員是通過優美的舞姿、和諧的韻律、高超的技巧“說話”和“唱歌”的，說出角色的心里話，唱出人物的情愫來。這里要指出的是，芭蕾演員作為藝術創作的體現者，其素質的高低、進行二度創作的能力大小固然起著決定性作用，但是，在作品誕生的全過程里，舞劇編導的才情和技巧都從根本上影響著作品的質量。當我們為一部舞劇的成功演出鼓掌喝采時，理所當然地包括了對編導的肯定與贊揚。

　　芭蕾舞劇的舞臺表演是由啞劇和舞蹈兩大部分構成的。舞蹈部分又可分為直接推動情節進展的和情緒單一、表演性強的兩種舞蹈。

　　芭蕾中的舞蹈格式有獨舞、雙人舞和多人舞。獨舞猶如話劇中的獨白、歌劇中的詠嘆調一樣，長于刻畫人物性格和抒發內心情感。群舞則用來渲染、烘托氣氛，調劑色彩。在許多古典芭蕾舞劇中，由女演員組成的舞隊排出各種幾何圖形，表演優雅的輪舞、圓舞，呈現出令人賞心悅目的舞蹈構圖，往往是代表了一部舞劇的典型場景——象《天鵝湖》湖畔的“群鵝”、《吉賽爾》第二幕的“群靈”、《希爾維婭》第一幕的“獵神們”所顯示出來的那樣。

　　芭蕾雙人舞在概念上不僅是“兩個人跳舞”，而形成為一種特定的表演格式。古典舞劇中，男女主人公的雙人舞常常被處理為全劇的核心舞段，占據著重要位置。雙人舞通常取三段式進行：一、慢板——由男演員扶持、托舉女演員的合舞，連貫地展示各種舞姿，在地面和空中完成一系列旋轉、跳躍等技巧動作；二、變奏——男、女演員分別表演獨舞；三、結尾——由男、女演員逐漸加快的獨舞過渡到快板的合舞，呈現舞蹈的高潮。雙人合舞（不論是慢板或快板）要求男女雙方和諧默契、渾然一體；而變奏一般都包含著復雜的高難技巧。因此，雙人舞是對芭蕾賞技藝的全面檢驗。我們經常可以看到《天鵝湖》、《唐·吉訶德》、《海俠》、《睡美人》等古典芭蕾中的雙人舞做為舞劇精華拿到舞蹈晚會上表演，演員們按照原劇應有的情緒盡力炫耀著自己的拿手絕技（如連續不停地三十二圈單足旋轉），收到激動人心的舞臺效果。

　　芭蕾舞劇中還常貫穿有多種風格的舞蹈，即各個國家和民族具有特征的民間舞，統稱“性格舞”。象《天鵝湖》里的西班牙舞、瑪祖卡舞（波蘭民間舞）、恰爾達什舞（匈牙利民間舞）和《紅色娘子軍》里的取材于我國黎族的少女舞、五寸刀舞，都屬于性格舞表演。它使得舞劇更加色彩紛呈、壯觀美麗。

　　古典芭蕾里的啞劇表演是推進劇情、提示矛盾的重要手段。它在舞劇中的作用是舞蹈所不能完全替代的，但是盡量使啞劇舞蹈化則是好的舞劇編導所追求的目標。當代的舞劇作品，如《奧涅金》、《鄉村一月》在這方面的成就是引人注目的。

　　在芭蕾中經常采用的一些啞劇手勢是很早以前創造出來的，久而久之，觀眾已習慣于從這些固定動作中了解它的含意。譬如：演員用手按左胸表示“愛”，雙手在頭項交替繞圓圈表示“跳舞”，一只手的手背從方向相反的臉頰劃到下頦處表示“容顏美麗”，攤開雙手或單手表示“詢問”，雙手握拳交叉于身體前方表示“死亡”等等。

　　啞劇穿插于各舞段之間，多種形式和風格的舞蹈按戲劇進程編織在一起，既避免了觀眾視覺的單調感，又給予演員們輪換地高速體力的時間，是每個編導在構思時就認真考慮的因素。而一般的戲劇規律，例如啟、承、合，在芭蕾舞劇創作中同樣發生作用，我們在觀看舞劇時也就有清晰的情節線索可循。但是，當需要主人公宣泄情感的時候，當需要制造某種戲劇氣氛的時候，當為展示芭蕾美的畫面的時候，往往常規時限概念就被打破了，將瞬息延伸得很長，或者相么，對那些非重點的說明性段落則一帶而過——不均勻地分配時間和使用力量，這個一切藝術都講究的節奏在芭蕾舞劇的藝術結構中被更加強調性地運用著。